ソプラノ歌手　アニエス・メロンさん インタビュー

メロン(以下M)　　全くの偶然です。音楽院でヴァイオリンを弾いていた17歳のころ、声楽を履修するように言われたんです。歌うこと自体はもちろん、歌のレパートリーにも全く関心はありませんでした。ところが、ちょうどその同じ年、古楽運動に取り組んでいた指揮者のフィリップ・ヘレヴェッヘ（*1）やウイリアム・クリスティ（*2）と偶然接点が出来、一緒に演奏するようになりました。お陰で、新たなレパートリーを見つけ、歌曲に魅力を感じるようになりました。ラッキーだったのは、私の声が、あの1980年代、バロック音楽の演奏に適すると考えられていた基準に合致していたこと。そんな偶然が重なったうえ、歌手を必要とする古楽グル―プが出来たりして、道が開けました。

Q－あなたの美しい声は、クラシックの世界でも恐らく、最高のものの一つに違いありません。ご自分の声を、どのように育ててこられたのでしょう。

M　　お褒めの言葉をいただき、嬉しいです。声をどう養うか。声楽家である限り、一生取り組まなくてはならない業（ごう）のようなもの。何十年も歌うため、払い続けなくてはならない「対価」かもしれません。ただ私自身は、声を自分で開発してきたというより、声そのものが自然に発展してきたと感じています。キャリアのはじめの時期、私には周囲から、ある「型」が課せられていました。自分では、ひたすらピュアな、男声か女声かの区別もつかないような響きを求めていました。「型」を打ち破りたいという思いが強く、結果的に声の変化に繋がっていったんじゃないかしら。

Q－ご自身の歩みと、古楽を取り巻く現在の状況を比べ、どんな違いがありますか。

M　　キャリアを踏み出した頃、私は、限られた古楽の「市場」を分かち合う、一握りの歌手の一人でした。ヨーロッパでも、その他の国々でも、バロック音楽の復興が始まって、間もない頃です。あらゆる様式に通じた、尊敬に値する専門家や指揮者も、教師も居ませんでした。だから歌のテクニックも、各々が工夫し、いわば即興的に習得するような状況。ちょっと不確かな感じでした。時代を経て古楽が盛んになり、個々の歌手のテクニックが高まり、音楽に関する知識も深まっています。「仕事」として古楽に関心を寄せる若い人が増えました。有能な先生も増え、喜ばしいことです。最近は素晴らしい声に恵まれた若い歌手に出会うことが本当に多く、驚かされます。クリアで、しかも温かい声を持ち、キチンとした様式観とテクニックを身に付けています。

Q－あなたは「メロディ」と呼ばれるフランス近代歌曲も歌います。バロックの歌曲との共通点や違いは。

M　　バロックもフランス近代の歌曲も共に、音楽と歌詞との結び付きが非常に強い。これは共通点です。近代フランス歌曲の場合は、作曲家がさまざまな指示をはっきり楽譜に書き込んでいます。でも、バロックのアリアの場合は、それらが全くありません。こうした音楽に向き合う際は、歌詞の「語彙（ごい）」と、その作品がのっとっている「様式」が手掛かりになります。例えば、ヴァイオリニストが、バロックの巨匠モンテヴェルディの作品を演奏したとします。演奏に使った古楽器を傍らに置き、次に近代フランスの作曲家フォーレの「子守歌」を現代のヴァイオリンで弾きます。それと同じことを声楽家は喉で行います。使う楽器は根本的には同じ。でも歌でいえば、歌詞と響きの質の結び付き方が違う。ヴァイオリンの弓を、弦に押し付ける圧力やヴィブラートの掛け方が違うと、響きの質は変わります。楽器が変われば殊更ですよね。レガート（連なる音を滑らかに奏でる奏法）や、ルバート（曲中、テンポを緩めたり早めたりし、味わいを醸す手法）といった、その時代や地域的な様式にかかわる事柄は、バロックとフランス近代とでは違いがあります。こうした使い分けが歌手にも必要です。言葉や文章を、どんな質感で表現するかが問題なのです。

Q－今回のプログラムはバロックの歌曲、中でもイギリスとイタリアの作品が主軸。テーマは「愛」ですね。

M　　このプログラムは、インスピレーションで組みました。「愛」には色んな形がありますよね、それは、どんな作品にも込められています。音楽は昔から、我を忘れるような歓びや優しさ、甘美さといった一方で、裏切り、胸が破れんばかりの悲しみ、激しい怒り、嫉妬、暴力などを表すためにも用いられてきました。こんな様々な形を借りて現れる愛をテーマに、プログラムは進みます。私は退屈なのは、キライ。お客様には豊かで、中身の詰まった音楽を、たっぷり味わっていただきたいです。

Q－バロックの歌曲表現には、どんな特徴がありますか。19世紀のグランドオペラの「ベル・カント唱法」（*3）と比べると、抑制された感じがあります。

M　　作品としての書き表し方は確かに、あの朗々としたベル・カント唱法とは異なります。大きなオーケストラをバックに、声を長々と引き延ばすことはありません。肉体的な限界まで高音に挑むとか、飛び切り大きな音量を出すといったことも、ありません。でも、歌の目指すところは全く同じなのですよ。声量をデシベルで測ったら、強い表現をしていないように思えるかもしれませんが、バロック歌曲も内面的には、グランドオペラと同じように強烈な心情をもって、誠実に表現されるものなのです。

Q－共演者の方々を紹介してください。

M　　私は長く、人間的にも芸術的にも高みに達した音楽家たちと仕事をしてきました。今回、大阪で共演する音楽家もとても才能に溢れ、ある意味で崇拝にも値する、若い人たちばかり。プログラムには彼らの意向、彼らの楽器そのものの良さも、考えに入れています。ハープシコードのブリス・セリーがパリ高等音楽院でディプロマの試験を受けた時、私は試験官の一人でした。それ以来、彼は「アンサンブル・バルカローレ」と一緒です。私との友情は、揺らぐことがありません。とても優れた奏者で、共演はとても楽しい。そのブリスが長年の親友ジュリアン・ハインスワースを紹介してくれました。まるでチェロを抱えてこの世に生まれてきたような演奏家。ブリスとジュリアンは、ふだんから一緒に活動しているので、私たちのアンサンブルは随分助かっています。ブルーノ・ヘルストロフェールは、私が夫のヴィス（*4）と始めた、あるプロジェクトで出会い、これも素晴らしいコラボレーションでした。器楽のソロ作品も、テーマの「愛」に即し、彼らが選んだものです。プログラム全体がイキイキとし、自然に流れ、また私が声を休ませられるようにも気遣ってくれてもいます。どうか、楽しみにしていてください。

アニエス・メロン（ソプラノ、芸術監督）＆アンサンブル・バルカローレ